“I love Los Angeles. I love Hollywood. They’re beautiful. Everybody’s plastic, but I love plastic. I want to be plastic” Warhol
Luego de algunos días de resaca seguimos con nuestra serie “Warholeada”, ahora vamos con el capítulo 3. El capítulo en donde este artista empieza a ser tomado “en serio”.
Un artista. Un diseñador publicitario
Warhol comenzó a gozar de los beneficios de ser reconocido, el lujo lo rodeaba tanto en su trabajo como en su vida personal, pero más allá del dinero que le dejaban los anuncios para revistas deseaba ser reconocido como un artista no como un dibujante publicitario.
Por eso llevaba una doble vida: la de dibujante y la de aspirante a artista reconocido, su deseo por ser aprobado como un artista lo hacía esconder sus dibujos publicitarios cuando algún coleccionista de arte lo visitaba ya que en esa época el arte comercial era considerado reprobable, se creía que era todo lo contrario al arte geniuno y auténtico. Era algo comercial y poco original según sus opositores.
Esto era algo que el mismo Warhol conocía a la perfección, por lo que cuando fue finalmente reconocido como artista manejaba dos estudios uno para sus obras de arte y otro para trabajos publicitarios, esta es una prueba de lo calculador y cuidadoso que fue con sus dos amores la publicidad y el arte.
Pese a los esfuerzos que realizó sus obras no encajaban en el expresionismo abstracto que reinaba en la época y sus anuncios para revistas cosechaban más éxito que sus obras artísticas.
“Todo lo que él ilustraba, ya fuera un champú, bisutería, una barra de labios, o un perfume, contenía una originalidad decorativa tal que llamaba la atención.
Su práctica en el arte de la ilustración de anuncios lo hace perfeccionar su técnica para dibujar, primeramente hacía sus dibujos a lápiz y después repasaba los contornos con tinta china con la tinta fresca imprimía los dibujos, para luego ser coloreados con tonos pastel rosa, fucsia, verde pistacho o azul, la mayoría de dibujos eran coloreados por alguno de los ayudantes de Warhol, que después de un tiempo aumentaron en gran cantidad. Este procedimiento era muy primitivo, pero gozaba de una expresividad única, que cautivaba a las más altas clases sociales de Nueva York.” Tomkins
Aparte de esta técnica Warhol utilizó la de “blotted line” o línea esbozada en algunas ilustraciones que realizó para un libro que él mismo publicó con un tiraje de 100 unidades, este libro contó con escritos realizados por su madre. Esta técnica no era tan revolucionaria por lo que Warhol no la dejó como su único recurso.
Warhol contaba con ayudantes uno de ellos era su amigo: “Cuando Andy tenía mucho que hacer en el estudio de publicidad, necesitaba a alguien que le ayudara. Uno de mis amigos había colaborado con él durante dos meses y luego le había dejado plantado. Andy me preguntó si yo no podría… Sustituí a mi amigo y trabajé con él… Cuando Andy tenía una cita con el “New York Times” o alguna revista de moda, solía volver a casa cargado con zapatos, joyas, frasquitos de perfume, prendas de punto o cualquier otra chuchería de moda para realizar ilustraciones de las mismas. Mi tarea consistía en realizar detallados dibujos de los objetos y, a veces, concebir una maqueta con los mismos, Andy corregía después los detalles de los dibujos o cambiaba la composición de la maqueta, luego los dibujos eran calcados en otro papel y después se les aplicaba el procedimiento del “blotting” al final teníamos los dibujos acabados con las características líneas interrumpidas. De vez en cuando, Andy me sonsacaba ideas para una tarjeta de navidad o una maqueta. Aquel trabajo me gustaba.” Gluck
Warhol comenzaba a desarrollar una manera de trabajo que presagiaba lo que realizaría seguidamente en “Factory” un círculo de artistas que del que sería líder. Este proceso era seguido por los demás dibujantes publicitarios que practicaban este legado de la revolución industrial, claro que este proceso un poco mecánico contradecía lo establecido en el rubro del arte, lo espontáneo era reemplazado por un algo ya establecido y segmentado para así aumentar la producción.
Pero Andy no era el único “prepulsor” de esta forma de trabajo, en el mundo del arte ya estaba comprobada su efectividad durante la época del renacimiento artistas tan importantes y renombrados como Da Vinci o Miguel Ángel solamente retocaban o aprobaban las obras que sus numerosos ayudantes efectuaban, en su caso el disponía y controlaba, pero también elegía y decidía sobre las ideas de sus ayudantes.
Durante esta período el diseño comercial no le daba a Warhol el reconocimiento artístico que deseaba, fue hasta el año 1965, considerado un año decisivo para él, que empezó a ser reconocido como anhelaba. En este año viajó a Europa con un amigo, visitó Italia en donde quedó fascinado por el arte renacentista, a su regreso recibió una importante noticia, fue seleccionado para participar en la exposición “Los dibujos más modernos de Estados Unidos de América” del “Museum of Modern Art” el templo del arte contemporáneo, con este gran logro se colocó en un lugar privilegiado.
Luego de esto Warhol desarrolla el gusto por las estrellas de rock y de Hollywood que tenía desde pequeño, generalmente convivía con muchas de estas estrellas pués era muy conocido en los círculos sociales de Manhattan, gracias a su trabajo ganaba grandes cantidades de dinero que gastaba comprando lámparas de colección, obras de arte de Miró, y algunas antigüedades que adornaban la casa en la que vivía con su madre y varios gatos que extrañamente compartían el mismo nombre, todas las hembras fueron bautizadas como Hester y los machos como Sam.
En esta etapa “esnob” de Warhol su vestimenta y su comportamiento reflejaban su nueva posición de adinerado y “rock-star”:
“Vestía con mucha elegancia, llevaba un traje entallado con forro de cachemir en rojo chillón… no era guapo, pero juvenil o, mejor dicho, simpático y encantador, con las mejillas rosadas de origen eslavo; cuando lanzaba una carcajada, solía echar la cabeza hacia atrás, Andy era, ya por aquellos dias pre- pop, algo así como una personalidad,- alguien que cosechaba premios, un ilustrador muy admirado con un estilo característico. Me llamaba la atención su aspecto tan mundano pero, al mismo tiempo alegre y autocrítico. Parecía ser tan tímido como seguro de sí mismo; discreto cuando hablaba de su persona, pero con aplomo, no dudaba en ponerse en el centro de atención…” Bourdon
No es lo establecido
Por aquella época el Pop cayó como un rayo sobre la cultura mundial, todo aquello que estaba establecido como arte ya no lo era… el pop llegó para disgusto de pocos y placer de muchos. Los más conservadores lo calificaron de un mal episodio en la historia del arte, mientras que los más liberales lo vieron con buenos ojos. Hasta el momento solo un hombre había llevado la bandera del movimiento Warhol, con su pensamiento subjetivo se convirtió en el padre del género artístico en el que la publicidad se convertía en obras de arte, este artista ponía sobre la mesa todo aquello que representara un objeto de culto: desde la famosa botella de Coca Cola y los “comics” de Superman o Popeye hasta los retratos de Elvis o Marilyn Monroe.
Los productos de consumo masivo se robaban el “show” desplazando a movimientos artísticos como el dadaísmo.
La nueva etapa se vería reflejada en su aspecto, dejó de lado el “look” de “esnob” para convertirse en un adolescente. Este cambio de apariencia se reflejó también en sus trabajos artísticos ya que dejó las vitrinas de las zonas más prestigiosas de Nueva York para enfocarse en tiendas de zonas como “Queens”, “El Bronx”, las obras producto de este período de trabajo se convirtieron en verdaderos clásicos: la lata de sopa Campbells, los retratos de famosos y las botellas de Coca Cola desplazaron por completo a la joyería fina y al calzado elegante, con esto Andy demostraba que no estaba interesado en seguir con lo que hasta el momento venía realizando, dibujos en “blotted line”.
Algo en común
¿Qué tienen en común una lata de sopa y Marilyn Monroe? Nada más y nada menos que ser musas de Warhol el mismo artista habla sobre su obra:
“Para mí Monroe no es más que una persona entre muchas. Y por lo que respecta a la pregunta de si se trata de un acto simbólico pintarla con tales colores chillones, solo puedo decir: creo que depende de la belleza y ella es hermosa, y, si hay algo que sea hermoso, eso son los colores bonitos”.
Si había algo que le gustaba a Warhol era el dinero, varios cuadros fueron protagonizados por billetes y simbolos de dólar.
“Ganar dinero, es un arte, trabajar es un arte, hacer negocios es el arte más elevado”. Warhol
A estas obras se le suma una que reflejó el intento de Warhol por adaptarse a la tendencia que seguían otros artistas “Storm Door” su obra de 1965 resultó un mal intento para ser aceptado por los demás artistas de la época quienes lo rechazan por ser muy “afeminado”, aparte de su criticada y dudosa sexualidad, fue tachado de “copión” ya que en su esfuerzo por quitarse la etiqueta de artista comercial imitaba a los artistas serios y reconocidos, “Storm Door” fue un fracaso en el intento.
Paralelamente a “Storm Door” Andy realizó obras de diferente contenido y explorando también diferentes técnicas una de ellas sería ingrediente importante de su sello personal.
La serigrafía la llave al éxito
Un accidente en la ciudad de Nueva York marca el inico de una nueva época para el arte “129 die in jet” es una de las primeras obras Warhol en la que empleaba la técnica de la serígrafía.
Después de inspirarse en figuras del cine y productos de consumo masivo, Andy se decide a explorar el mundo del amarillismo otro componente del “American Way of Life”, fue así como tomó una de las portadas de un famoso periódico “The New York Mirror” y la transformó en una serigrafía gigante, a la que suprimió algunos detalles y añadió algunos otros. Tantos años de experimentación habían llevado a Warhol a encontrar y definir su estilo propio, trabajar con fotografías era reflejar lo que tenía ante sus ojos, con esta evolución en su estilo se enfrentaba al mismo tiempo a otro rechazo, ya que las fotografías en aquella época gozaban de menor reconocimiento que los “comics” y los anuncios de revista.
Las fotografías eran una especie de cita dentro de las obras de Warhol, en el espacio pictórico, el fondo fotográfico gozaba de menor importancia lo que aprovechó para darle el empuje y así alcanzar la legitimación artística de la fotografía, fue a partir de esto que las fotografías fueron reconocidas como obras artísticas considerandose un testimonio sagrado de la realidad.
Los cuadros de Warhol son considerados un verdadero tesoro, un objeto de estudio para científicos y antropólogos en un futuro. Estos cuadros son considerados íconos de la civilización de masas, gracias a su trabajo elevó las ilustraciones y serigrafías a un nivel artístico superior.
En 1962 crea la obra “Do it your self” o “Propuesta para pintores aficionados” un cuadro de 178x137centímetros con ilustraciones de flores a manera de bosquejo, esta obra tenía como propósito que miles de aprendices de pintura completaran el cuadro según las instrucciones del artista en este caso Warhol, quién ideó esta loca propuesta que si era coloreada correctamente generaría miles de obras iguales.
Este artista era sinónimo de rebeldía en cuanto al arte se refiere, pues parecía llevarle la contraria a todo lo que hasta ese momento había sido estipulado: producía obras en serie, lo cual iba en contra de la tradición que concebía que una obra de arte era única y original. Este tipo de producción le obsesionaba, en ocasiones presentó la misma obra con variantes de tamaño, la misma obra repetida dentro de un mismo cuadro, en cuanto a la composicíon de las mismas algunas eran “pensadas” otras eran elaboradas de manera aleatoria, no solo la composición variaba, sino también el color, lo cual quizá ayudó notablemente a definir el estilo de Warhol, los colores chillones y contrastantes eran sin duda parte de su sello personal.
La serigrafía como técnica no era empleada a la perfección, los descalzes de color en sus obras y el uso de implementos sucios, le daban ese toque de despreocupación, mientras en las obras de retratos el color hacía el resto, es impresionante como una misma imagen coloreada de diferentes maneras puede provocar distintas sensaciones, sin duda esta técnica llegó a revolucionar el mundo del retrato, pues desde épocas anteriores, el retrato era sinónimo de realismo.
Sin duda alguna esta “nueva técnica” convertiría a Warhol en un artista con una productividad muy elevada incluso él mismo deseaba codearse con Picasso en sus niveles de productividad, ese año alrededor de 2000 cuadros fueron realizados por él y sus ayudantes.
Obras de retratos como las de Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor y Elvis Presley tenían algo en común la fuerte carga sexual que contenían, el que sin duda era otro componente del “American Way of Life” principal culpable del éxito de Warhol.
Además del poder sexual, de los cientos de retratos con variaciones que realizó sobre la recién fallecida producto de una sobredosis de sedantes Marilyn Monroe, Warhol colaboró para que hoy día Monroe sea calificada como un ícono del cine estadounidense y al hablar de su muerte él sorprendió al mundo con sus declaraciones: “Por ejemplo yo nunca hubiera impedido a la Monroe que se suicidara. Pienso que cada uno debe hacer lo que quiera, y si así es más feliz ha obrado correctamente”.
Otra importante y contrastante obra forma parte de la producción del joven nativo de Pensilvania: “The Electric Chair”, es una de sus serigrafías más comentadas, de este cuadro Andy comentó: “Uno no creería cuanta gente tiene en su casa el cuadro de la silla eléctrica- sobre todo cuando el color del cuadro hace juego con las cortinas”.
El caracter pasivo y tranquilo de Warhol no lograba comprender el porqué de la violencia y constantemente cuadros como “The Electric Chair” eran el canal para comunicar sus pensamientos sobre el tema: “Algunas personas, incluso personas inteligentes, dicen que la violencia puede ser hermosa. Yo no puedo entenderlo porque solo existen instantes hermosos y, para mí semejantes no son nunca hermosos”.
Extrañamente algo unía a las diferentes obras de esta época específicamente al retrato de Marilyn Monroe y a “The Electric Chair”, la clara fijación que tenía su creador con la muerte. ¿Qué llevó a Marilyn a suicidarse?, ¿Porqué existía la violencia? Estas eran preguntas que apasionaban a Warhol y que de cierta manera están relacionadas con la cultura de masas, quizá Monroe no tuvo más escapatoria ante la presión de ser un símbolo sexual y prefirió acabar con todo de una vez, este hecho sin duda demuestra las consecuencias de ser el blanco de una sociedad consumista y superficial.
Pueden observar una serie de obras de Andy por acá en youtube musicalizadas por David Bowie.
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Me despido con una banda que me gusta bastante… es fuertemente influenciada por este artista, hasta el el punto de casi… casi robarle el nombre.
The Dandy Warhols con “Bohemian like you”
